Tributo a Herbett Kessler
(In)sights regarding Medieval Art / Una mirada perspicaz al Arte Medieval.
Tributo a Herbett Kessler
Introducción
Este número especial de Codex Aqvilarensis. Revista de Arte Medieval es un merecido homenaje al Profesor Herbert Leon Kessler en honor a su ochenta cumpleaños, cumplido este año 2021. Kessler, académico reconocido mundialmente como una de las figuras más egregias e inspiradoras de la historiografía de la historia del arte medieval en las últimas décadas, ha producido un vivificante impacto intelectual en una amplísima nómina de investigadores, tanto en Estados Unidos y Canadá como en Europa. Habida cuenta de que el Prof. Kessler se ha comprometido plenamente con el desarrollo de las sucesivas ediciones del coloquio Ars Mediaevalis desde 2012, así como en la elaboración de esta revista desde su número 28, es de justicia tributarle nuestra gratitud y reconocimiento a través de esta colección de ensayos inéditos que se presentan en las siguientes páginas. Articulados en diferentes secciones, se ofrece aquí una treintena de estudios en torno a la teoría y la historia de la imagen y los lugares sagrados medievales. En una ocasión difícilmente repetible, han querido contribuir cooperativamente algunos de los más reputados estudiosos actuales en historia del arte medieval: Marcello Angheben, Michele Bacci, Celia Chazelle, Sible De Blaauw, Vincent Debiais, Francesca Dell’Acqua, Georges Didi-Huberman, Ja Elsner, Ivan Foletti, Beate Fricke, César García de Castro Valdés, Elina Gertsman, Jeffrey F. Hamburger, Sandra Hindman, Allegra Iafrate, Beatrice Kitzinger, Justin Kroesen, Aden Kumler, Marcia Kupfer, Rebecca Müller, Éric Palazzo, Elizabeth Carson Pastan, Bissera V. Pentcheva, Assaf Pinkus, Anne-Orange Poilpré, Stefano Riccioni, Rocío Sánchez Ameijeiras, Jean-Claude Schmitt y Marc Sureda i Jubany. Todos estos investigadores reconocen, de un modo u otro, su deuda intelectual con las premisas gnoseológicas y las perspectivas metodológicas abiertas por Kessler en sus disruptivos estudios que, a lo largo de más de cinco décadas, han pautado una parte nuclear de las prioridades analíticas de la reciente historiografía en torno al arte medieval.
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“The triple essence of the visual process”, or thinking with diagrams in the middle ages and modernity.
"La triple esencia del proceso visual" o pensar con diagramas en la edad media y la modernidad.
Jeffrey F. Hamburger
Harvard University
Abstract
Medieval diagrams, in particular, the medieval models for Robert Fludd’s celebrated diagrammatic man in his magnum opus, Utriusque Cosmi (1617–1621), offer a way to reconsider the role of the senses in human cognition and experience as they have been construed in recent scholarship on medieval images. Given that diagrams, medieval or modern, have the power to engender as well as merely mimic mental processes, current accounts of the senses in the Middle Ages should not underestimate the informing role of the intellect, at least as posited in the sources, which often resort to diagrammatic imagery, not simply as an emblem but also as an exemplification of the very process of thinking. To embodiment and experience must be added a coherent account of cognition, as medieval accounts, visual and verbal, themselves sought to provide.
Keywords: Robert Fludd, diagrams, microcosm-macrocosm, Trinity, senses, logic, cognition, Johann Lindner of Mönchburg, Magnus Hundt, Peter Gerticz (Peter of Dresden), Gregor Reisch, intension-remission.
Resumen
Los diagramas medievales, y en particular los modelos medievales para el célebre hombre diagramado de Robert Fludd en su obra magna, Utriusque Cosmi (1617-1621), ofrecen una forma de reconsiderar el papel de los sentidos en la cognición y la experiencia humanas, tal como se ha interpretado en los estudios recientes sobre las imágenes medievales. Dado que los diagramas, medievales o modernos, tienen el poder de engendrar, además de imitar, los procesos mentales, los relatos actuales sobre los sentidos en la Edad Media no deberían subestimar el papel informador del intelecto, al menos tal y como se plantea en las fuentes; estas a menudo recurren a la imaginería diagramática, no simplemente como un emblema, sino también como una ejemplificación del propio proceso de pensamiento. A la corporeidad y a la experiencia hay que añadir un relato coherente de la cognición, tal y como los propios relatos medievales, visuales y verbales, trataban de proporcionar.
Palabras clave: Robert Fludd, diagramas, microcosmos-macrocosmos, Trinidad, sentidos, lógica, cognición, Johann Lindner de Mönchburg, Magnus Hundt, Peter Gerticz (Pedro de Dresde), Gregor Reisch, intensión-remisión.
Animal Farm: une image du tabernacle de Moïse dans la Bible historiale de Guiart des Moulins (BnF, Français 9, fol. 63R, vers 1412-1415)
Animal farm: una imagen del tabernaculo de Moises en la Bible Historiale de Guiart des Moulins (BnF, Français 9, fol.63R, c. 1412-1415)
Jean-Claude SCHMITT
EHESS
Resumé
La miniature représentant au début du XVe siècle le tabernacle de Moïse au folio 63r du manuscrit BnF Français 9 de la Bible Historiale de Guiart des Moulins, est sans équivalent dans toute la tradition manuscripte enluminée de cette œuvre largement diffusée. La figuration de dix-sept oiseaux sur le voile du tabernacle et plus encore de quatre quadrupèdes à l’avant de ce dernier est énigmatique, puisque le texte ne les mentionne pas explicitement. Notre interprétation de cette image étonnante s’appuie sur la longue tradition exégétique du tabernacle (depuis saint Paul), par-delà les seuls auteurs que cite Guiart (Flavius Josephus, Beda Venerabilis, Petrus Comestor) et s’interroge sur le traitement des animaux dans les autres miniatures du manuscrit. Elle souligne, outre la manière naturaliste du peintre, sa volonté probable de signifier le remplacement du tabernacle hébraïque par le “ vrai tabernacle ” qu’est le corps du Christ et par la “ vraie ” maison de Dieu qu’est l’église.
Mots-clés: Juifs, tabernacle, Moïse, tenture, voile, oiseaux, animaux, exégèse, Bible historiale.
Resumen
La miniatura de principios del siglo XV que representa el tabernáculo de Moisés en el folio 63r del manuscrito BnF Français 9 de la Bible Historiale de Guiart des Moulins no tiene parangón en la tradición de manuscritos iluminados de esta obra de gran difusión. La representación de diecisiete pájaros en el velo del tabernáculo y aún más de cuatro cuadrúpedos delante de él es enigmática, ya que el texto no los menciona explícitamente. Nuestra interpretación de esta sorprendente imagen se basa en la larga tradición exegética del tabernáculo (desde san Pablo), más allá de los únicos autores citados por Guiart (Flavio Josefo, Beda el Venerabble, Pedro Comestor) y cuestiona el tratamiento de los animales en las otras miniaturas del manuscrito. Al margen de su estilo naturalista, el iluminador subrayó su probable deseo de significar la sustitución del tabernáculo hebreo por el “verdadero tabernáculo” que es el cuerpo de Cristo y por la “verdadera” casa de Dios que es la Iglesia.
Palabras clave: Tabernáculo, Moisés, velo colgante, aves, animales, exégesis, Biblia Historial.
Where your treasure is, there is your heart also: A Kesslerian view from the Soissons Gospels*
Donde está tu tesoro, también allí está tu corazon: una visión Kessleriana a partir del Evangelio de Soisson.
Aden Kumler
UNIVERSITÄT BASEL
Abstract
This essay revisits the Soissons Gospels’ famous first painting to argue that the perspective—at once spatial and soteriological—the image offers its beholder is part of a larger attempt, deliberately pursued in opulent visible and material forms, to enact the proper ordinatio of worldly and religious values. Orienting the beholder in relation to the manuscript as a whole, the painting pictorially and imaginatively situates them within the portico of a Carolingian templum that is also a thesaurus: a sacred structure, purpose-built for the production and preservation of soteriological value. The soteriological charge of the manuscript’s overt material and aesthetic richness is, I suggest, pointedly thematized in the painted pages that open Matthew’s Gospel.
Keywords: Carolingian, perspective, scripture, typology, temple.
Resumen
Este ensayo revisa la famosa primera iluminación de los Evangelios de Soissons para argumentar que la perspectiva -a la vez espacial y soteriológica- que la imagen ofrece a su espectador forma parte de la tentativa más amplia, deliberadamente perseguida en formas visibles y materiales opulentas, de plasmar la ordinatio adecuada de los valores mundanos y religiosos. Al posicional al espectador en relación con el manuscrito en su conjunto, la miniatura lo sitúa pictórica e imaginariamente en el pórtico de un templum carolingio que es también un tesauro: una estructura sagrada, construida ex professo para la producción y conservación de valores soteriológicos. La carga soteriológica de la evidente riqueza material y estética del manuscrito se tematiza específicamente, según sugiero, en las páginas pintadas que abren el Evangelio de Mateo.
Palabras clave: arte carolingio, perspectiva, escritura, tipología, templo.
La Passion du Christ sur les livres carolingiens: visualiser les temps et rythmes del´histoire du Salut
La Pasión de Cristo sobre los libros carolingios: visualizar los tiempos y ritmos de la historia de la salud
Anne-Orange Poilpré
UNIVERSITÉ PARIS 1 PANTHÉON-SORBONNE
Resumé
La renaissance de la sculpture sur ivoire à la fin du VIIIe et au IXe siècle en Occident correspond à l’essor pris par la production de livres. Des feuillets sculptés s’insèrent dans les reliures des ouvrages les plus luxueux, et permettent au décor précieux de se parer d’une dimension figurée et narrative. L’iconographie de la Passion se déploie alors d’une façon encore inédite sur les livres. A partir d’une série d’ivoires à sujets narratifs du IXe siècle, cette contribution entend montrer que l’importance prise par les manuscrits chrétiens à cette période s’accompagne d’une réflexion nouvelle sur la mise en image de la vie du Christ spécifiquement articulée au livre chrétien et à sa parure extérieure, ainsi qu’à son rôle dans le contexte de l’emendatio de la société chrétienne de l’époque. Cette évolution est d’autant plus remarquable qu’elle fait échos à une conception liturgique et sacramentelle de la Passion que l’image prend spécifiquement en charge sous une forme nouvelle.
Mots-clés: manuscrits carolingiens, ivoires carolingiens, iconographie de la Passion, iconographie narrative biblique.
Resumen
El renacimiento de la talla de marfil a finales del siglo VIII y el IX en Occidente se desarrolló en paralelo al auge de la producción de libros. Las placas esculpidas se insertaron en las encuadernaciones de las obras más lujosas y permitieron que la preciosa decoración adquiriera una dimensión figurativa y narrativa. Entonces, la iconografía de la Pasión se desplegó en los libros de forma inédita. A partir de una serie de marfiles del siglo IX con temas narrativos, esta contribución pretende mostrar que la importancia que adquieren los manuscritos cristianos en este periodo se acompañó de una nueva reflexión sobre la representación de la vida de Cristo, específicamente vinculada al libro cristiano y a su decoración exterior, así como su papel en el contexto de la emendatio de la sociedad cristiana de la época. Esta evolución fue tanto más notable cuanto que la imagen adquirió específicamente una renovadora forma que se hizo eco de una novedosa concepción litúrgica y sacramental de la Pasión.
Palabras clave: Manuscritos carolingios, marfiles carolingios, iconografía de la Pasión, iconografía narrativa bíblica.
Scriptual Time and Painted text in the First Bible of Charles the Bald
Tiempo escritudario y texto pintado en la primera Biblia de Carlos el Calvo
Beatrice Kitzinger
PRINCETON UNIVERSITY, DEPT. OF ART & ARCHAEOLOGY
Abstract
The article analyzes the major figural initials in the First Bible of Charles the Bald (Paris, BnF, Ms. lat. 1), appearing at Exodus, Ruth, Tobias, Isaiah, Judith, and the general Prefaces. It suggests how these compositions fit into the visual and poetic program of the manuscript as a whole, emphasizing how the initial compositions relate to exegetical conceptions of reading, and reflect upon the bible’s status as material text.
Keywords: Bible illumination, figural initials, material text, typology, exegesis.
Resumen
Este artículo analiza las principales capitales figuradas de la Primera Biblia de Carlos el Calvo (Paris, BnF, Ms. Lat. 1), correspondientes al inicio respectivo de Éxodo, Ruth, Tobías, Isaías, Judith, y los Prefacios generales. Se razona cómo estas composiciones se insertan en el programa visual y poético del manuscrito como un todo, destacando cómo las composiciones de las capitales se relacionan con concepciones exegéticas de la lectura, reflejando además el estatuto de la Biblia como texto material.
Palabras clave: Biblias iluminadas, iniciales figuradas, texto material, tipología, exégesis.
Une théologie de l´Informel: Le pli et son ombre dans le bénédictionnaire D´AEthelwold
Una teología de lo informal: El pliegue y su sombra en el benedicional de St. AEthewold
Vincent Debiais
CENTRE DE RECHERCHES HISTORIQUES (EHESS-CNRS, PARÍS)
Résumé
Le présent article est consacré à un motif récurrent dans les peintures du bénédictionnaire d’Æthelwold (Londres, British Library, Ms Add 49598). Il se compose d’une ligne blanche doublée d’une ombre translucide. Répété dans tout le manuscrit, cet élément informel des images assure la visibilité d’une présence invisible, celle de l’Esprit qui agit dans le monde de la même façon qu’il agit lors de la prononciation des bénédictions contenues dans le livre. Cet article fait l’hypothèse que le processus de figuration mis en œuvre répond aux mécanismes de l’abstraction médiévale et fait de ce détail des peintures l’indice non-mimétique de l’Esprit-Saint.
Mots-Clés: enluminure, liturgie, manuscript, iconographie, informel, abstraction, ornement, narration.
Resumen
Este artículo examina un motivo recurrente en las miniaturas del bendicional de Æthelwold (Londres, British Library, Ms Add 49598) : una línea blanca doble con una sombra traslúcida. Reiterado a lo largo de todo el códice, este elemento informal asegura la visibilidad de una presencia invisible, la del Espíritu que actúa en el mundo de la misma manera que actúa cuando se pronuncian las bendiciones contenidas en el manuscrito. Este artículo plantea la hipótesis de que este proceso de figuración respondió a los mecanismos de abstracción medieval, los cuales transformaron este detalle pintado, carente de significado solo en apariencia, en la evidencia no mimética del Espíritu Santo.
Palabras claves: manuscritos iluminados, liturgia, iconografía, abstracción, informal, ornamento, narración.
An Image of Authority. The Ivory Plaque with the Enthroned Virgin from Aachen, C. 800-810
Una imagen de autoridad. La placa de marfil con la virgen entronizada de Aachen, ca. 800-810
Francesca DELL´ACQUA
UNIVERSITÁ DEGLI STUDI DI SALERNO
Abstract
An ivory plaque believed to have been carved in Aachen, the capital of Charlemagne, in c.800–825, shows the figure of the Virgin Mary sitting on a backless throne under an elaborate canopy (22 x 14.5 x 0.8 cm, New York, Metropolitan Museum of Art, inv. no. 17.190.49). Her gaze is fixed firmly on the beholder; she holds a cross-topped staff in her right hand, almost a military vexillum, and a distaff and spindle in her left hand, a reference to her domestic activity of spinning. Over the past two millennia the figure of the Virgin Mary has been portrayed in various ways: some emphasise her spiritual strength, others her submissive, almost passive attitude. Overall, the ivory plaque, carved more or less at the mid-point of this time span, projects an image of strength, power, and authority. Hence, there is need now to explore the intended message of the plaque and, if possible, determine what kind of power and authority – spiritual, moral, or even doctrinal – was attributed to Mary in the Carolingian Empire by the year 800.
Keywords: The Virgin Mary: image, power, and authority; heresies; Carolingian ivories.
Resumen
Una placa de marfil que se estima que fue tallada en Aquisgrán, la capital de Carlomagno, en torno al año 800-825, muestra la figura de la Virgen María sentada en un trono sin respaldo bajo un elaborado dosel (22 x 14,5 x 0,8 cm, Nueva York, Metropolitan Museum of Art, nº de inv. 17.190.49). La figura fija su mirada en el espectador; sostiene un bastón con una cruz en la mano derecha, casi un vexillum militar, y una rueca y un huso en la mano izquierda, explícita referencia a su actividad doméstica de hilar. A lo largo de los dos últimos milenios,la figura de la Virgen María ha sido representada de diversas maneras: algunas enfatizan su fuerza espiritual, otras su actitud sumisa, casi pasiva. En general, la placa de marfil, tallada más o menos en el momento intermedio del período medieval, proyecta una imagen de fuerza, poder y autoridad. De ahí que sea necesario explorar ahora el mensaje que pretende trasladar la placa y, si es posible, determinar qué tipo de poder y autoridad –espiritual, moral o incluso doctrinal– se atribuía a María en el Imperio carolingio hacia el año 800.
Palabras clave: Virgen María: imagen, poder y autoridad; herejías; marfiles carolingios.
De la recension Cotton à la tradition septentrionale. Déconstruction et reconstruction d’une généalogie séculaire
De la recensión Cotton a la tradición septentrional. Deconstrucción y reconstrucción de una genealogía secular.
Marcello Angheben
UNIVERSITÉ DE POITIERS
Résumé
Depuis plus d’un siècle, on a attribué à la Genèse Cotton ou à son hypothétique prototype un rôle prépondérant dans la diffusion de modèles iconographiques. Herbert Kessler a été l’un des acteurs majeurs de cette construction intellectuelle, mais aussi le principal artisan de sa déconstruction. Cet article examine ce qui peut subsister de cette généalogie. Pour ce faire, il propose de remplacer la notion de recension Cotton par celle, plus souple et plus lâche, de famille Cotton, et de détacher de celle-ci la tradition romaine ainsi qu’un groupe d’œuvres hétérogènes qualifié de tradition ou de famille septentrionale. Ce concept permet de maintenir toutes les nuances nécessaires dans les relations qui rattachent les peintures de Château-Gontier et de Saint-Savin aux manuscrits insulaires du début du XIe siècle, et de rendre compte de la diffusion de modèles poitevins en Aragon et en Sicile. L’examen des peintures de Saint-Savin montre plus précisément que seul le deuxième atelier de la nef peut être inscrit dans cette tradition septentrionale car le premier était imprégné par les formules de la famille Cotton et les deux autres ont utilisé des modèles dont la plupart ont manifestement disparu. Par ces distinctions et ses réflexions épistémologiques, l’article vise plus globalement à maintenir une grande partie de la généalogie séculaire dans laquelle s’insère la Genèse Cotton tout en postulant la nécessité d’accorder une valeur accrue aux variantes et aux innovations.
Mots-clés: Cotton Genesis, Saint-Savin-sur-Gartempe, Château-Gontier, Old Testament, Manuscript Junius 11, Old English Hexateuch, Cappella Palatina, Monreale, Herbert Kessler, Kurt Weitzmann.
Resumen
Desde hace más de un siglo, se atribuye al Génesis Cotton, o a su hipotético prototipo, un papel preponderante en la difusión de los modelos iconográficos. Herbert Kessler fue uno de los principales actores de esta construcción intelectual, pero también el principal artífice de su deconstrucción. Este artículo examina lo que puede quedar de esta genealogía. Para ello, se propone sustituir la noción de recensión Cotton por la noción más flexible y laxa de familia Cotton, y separar de ella la tradición romana así como un grupo de obras heterogéneas llamado tradición o familia septentrional. Este concepto permite mantener todos los matices necesarios en las relaciones que vinculan las pinturas de Château-Gontier y Saint-Savin con los manuscritos isleños de principios del siglo XI, y dar cuenta de la difusión de los modelos poitevinos en Aragón y Sicilia. Un examen de las pinturas de Saint-Savin muestra con mayor precisión que sólo el segundo taller de la nave puede incluirse en esta tradición norteña, ya que el primero estaba impregnado de las fórmulas de la familia Cotton y los otros dos utilizaban otros modelos que, en su mayoría, han desaparecido. A través de estas distinciones y de sus reflexiones epistemológicas, el artículo pretende, en términos más generales, mantener gran parte de la genealogía secular en la que se inscribe el Génesis Cotton, a la vez que postula la necesidad de dar mayor valor a las variantes e innovaciones.
Palabras clave: Génesis Cotton, Saint-Savin-sur-Gartempe, Château-Gontier, Antiguo Testamento, Manuscrito Junius 11, Hexateuco inglés antiguo, Cappella Palatina, Monreale, Herbert Kessler, Kurt Weitzmann.
The altarsteps of St. Peter´s and the Vatican Basilica as an architectural model
La escalera del altar de San Pedro y la basílica vaticana como modelo arquitectónico
Sible de Blaauw
RADBOUD UNIVERSITY NIJMEGEN
Abstract
Since the 1940’s, it has become common knowledge that the Vatican basilica of St. Peter’s served as an inspiring example and model in medieval church architecture, regarding building type and decorative system as well as liturgical disposition. In scholarship on the so-called Gregorian liturgical arrangement, dating from 600 AD ca., most attention has been paid to the characteristic annular crypt. In this contribution a more differentiated approach is expounded, on the one hand with an analysis of the various ‘imitable’ elements of St. Peter’s Early Medieval presbytery as a prototype, and on the other with a brief investigation of their reception in other churches during the Early and High Middle Ages. The layout of the steps giving access to the raised presbytery is still an uncertain element in the reconstruction of St. Peter’s lost presbytery, but the reception history turns out to shed more light on its original design.
Keywords: St. Peter’s basilica Rome; Liturgical disposition; Raised altar platform; Iconography of architecture.
Resumen
Desde la década de 1940, es sabido que la basílica vaticana de San Pedro sirvió de ejemplo y modelo inspirador en la arquitectura eclesiástica medieval, tanto en lo que respecta al tipo de edificio y al sistema decorativo como a la disposición litúrgica. En los estudios sobre la llamada disposición litúrgica gregoriana, que data del año 600 d.C. aproximadamente, se ha prestado la mayor atención a la característica cripta anular. En esta contribución se expone un enfoque más diferenciado: por un lado, con un análisis de los diversos elementos «imitables» del presbiterio altomedieval de San Pedro como prototipo; y por otro, con una breve investigaciónde su recepción en otras iglesias durante la Primera y la Alta Edad Media. La disposición de los escalones que dan acceso al presbiterio elevado sigue siendo un elemento incierto en la reconstrucción del presbiterio perdido de San Pedro, pero la historia de la recepción resulta arrojar más luz sobre su diseño original.
Palabras clave: Basílica de San Pedro de Roma, disposición litúrgica, plataforma de altar elevada, iconografía de la arquitectura.
Diseño, tecnología y significado: sobre un tipo de carpintería de relicarios en la Alta Edad Media
Design, Technology and Meaning: On an early medieval woodworking technique for reliquaries
César García de Castro Valdés
MUSEO ARQUEOLÓGICO DE ASTURIAS
Resumen
En los siglos altomedievales se puede individualizar una tradición de confección de relicarios en piedra y madera, con representantes en la Península Ibérica, islas atlánticas, Francia e Italia, consistente en fabricar el receptáculo mediante paneles laterales ensamblados en las ranuras verticales labradas a lo largo de los postes angulares. El punto de partida parece situarse en el siglo v, con ejemplos de construcción de tumbas veneradas. En el siglo siguiente se documentan altares-confessiones, sobre tumbas construidos siguiendo el patrón. A lo largo de los siglos vii al ix el modelo se expandió al calor de la cristianización del extremo occidente, y su vigencia queda atestiguada hasta fines del xi con la fabricación del Arca Santa de la Catedral de Oviedo. Este trabajo indaga en la razón de la elección de este procedimiento tecnológico, apuntando a las connotaciones iconológicas que pudieron subyacer en ella.
Palabras clave: arcas, relicarios, carpintería, Europa occidental, Alta Edad Media, Arca Santa de Oviedo.
Abstract
In the early medieval centuries, a tradition of making stone and wood reliquaries can be individualized, with representatives in the Iberian Peninsula, Atlantic islands, France and Italy,consisting of manufacturing the receptacle by means of side panels assembled in the vertical grooves carved along the angle posts. The starting point seems to be in the 5th century, with examples of revered tomb construction. In the following century altars-confessiones are attested, on tombs built following the pattern. Throughout the 7th to 9th centuries, the model expanded following the Christianization of the extreme West, and its validity is assured until the end of the 11th with the manufacture of the Holy Ark of the Cathedral of Oviedo. The paper investigates the reason for the choice of this technological procedure, pointing to the iconological connotations that could underlie it.
Keywords: chests, reliquaries, woodworking, Western Europe, Early Middle Ages, Holy Ark at Oviedo.
Santa Maria la Rodona: forma, usos e imagen medievales del culto mariano en Vic
Santa María la Rodona: Medieval Form, Uses, and Image of the Virgin Worship in Vic
Marc Sureda I Jubany
MUSEY EPISCOPAL DE VIC
Resumen
La iglesia de santa María de Vic, llamada La Rodona por su planta circular, fue construida en la primera mitad del siglo XI y de nuevo en el siglo XII. Perduró en este segundo estado románico hasta su demolición a finales del siglo XVIII. Durante casi ocho siglos formó parte, junto con la iglesia mayor de san Pedro, del conjunto episcopal de la ciudad de Vic, marco para el desarrollo de la liturgia estacional de aquella sede. En este trabajo nos proponemos evaluar la asociación tradicional de su forma arquitectónica con el Panteón de Roma, particularmente a la luz de los usos litúrgicos de la iglesia atestados en el Medioevo, y a la vez estudiar ciertas posibles implicaciones iconográficas de su diseño.
Palabras clave: catedral de Vic, Panteón, liturgia, iconografía de la arquitectura.
Abstract
The church of Santa Maria de Vic, known as La Rodona because of its circular ground plan, was built in the first half of the 11th century and again in the 12th century; it remained in this second Romanesque state until it was demolished at the end of the 18th century. For almost eight centuries it formed part, together with the main church of St. Peter, of the Episcopal complex of the city of Vic, a framework for the development of the processional liturgy of that episcopal see. In this article we propose to evaluate the traditional association of its architec-tural form with the Pantheon in Rome, particularly under the light of the liturgical uses of the church in the Middle Ages, and at the same time to study certain possible iconographic implications of its design.
Keywords: Vic Cathedral, Pantheon, liturgy, iconography of the architecture.
Cross Imagery and the Setting of the Golgotha Chapel in the Pre-Crusader Period
La imaginería de la Cruz y la escenografía de la capilla del Gólgota antes del periodo cruzado
Michele Bacci
UNIVERSITY OF FRIBOURG (CH)
Abstract
The present paper focuses on the impact that the rock of Golgotha, one of the most distinctive holy sites in Jerusalem, exerted on the visual imagery of the Middle Ages. Relying on the most recent research on the history of Jerusalem’s Holy Sepulchre, it lays emphasis on the ways in which the distinctive sanctity attributed to the place was staged, expressed, and displayed in architectural, spatial, and ornamental terms. In particular, new evidence is provided as to the mise-en-scène effects developed to enhance and manifest the site-bound holiness the site was invested with, through the display of a monumental cross within a baldachin. The latter structure came to be not infrequently evoked in a number of images found from Ireland through the Caucasus.
Keywords: Jerusalem, rock of Golgotha, cross imagery, Medieval pilgrimage, Georgia, Irish high crosses.
Resumen
El presente estudio se centra en el impacto que la roca del Gólgota, uno de los lugares sagrados más característicos de Jerusalén, ejerció sobre la imaginería visual de la Edad Media. Basándose en las investigaciones más recientes sobre la historia del Santo Sepulcro de Jerusalén, se hace hincapié en las formas en que la santidad distintiva atribuida a aquel lugar se escenificó, expresó y mostró en términos arquitectónicos, espaciales y ornamentales. En particular, se aportan nuevas pruebas sobre los efectos de puesta en escena desarrollados para realzar y manifestar la santidad del lugar, a través de la exhibición de una cruz monumental bajo de un baldaquino. Esta última estructura fue evocada de modo frecuente en una serie de imágenes encontradas desde Irlanda hasta el Cáucaso.
Palabras clave: Jerusalén, roca del Gólgota, imágenes de la cruz, peregrinación medieval, Georgia, cruces altas irlandesas.
Sperimentare, emozionare, educare. Per una teoria dell’arte durante la Riforma ecclesiastica dei secoli XI e XII
Experimentar, emocionar, educar. Una teoría del arte durante la reforma eclesiastica de los siglos XI y XII
Stefano Riccioni
UNIVERSITÀ CA´FOSCARI DI VENEZIA
Riassunto
Tra il secolo xi e il secolo xii i teologi della Chiesa interpretarono l’architettura e la decorazione delle chiese in modo allegorico come uno specchio delle conoscenze bibliche e liturgiche. Negli scritti di Bruno di Segni, Onorio Augustodunense e Sicardo di Cremona, la chiesa costituisce uno spazio sacro, un mficrocosmo che riflette il macrocosmo. Herbert Kessler ha suggerito di identificare in questo contesto una “teoria gregoriana dell’arte”. L’articolo riprende le conclusioni di Kessler e argomenta che anche gli scritti di Ugo di San Vittore, di Suger di Saint- Denis e di Bernardo di Clairvaux, rivelano l’attenzione al coinvolgimento dello spettatore nell’ambiente nel quale è immerso. Le opere d’arte accompagnano il fedele in un percorso di conoscenza, lo guidano e lo educano attraverso la partecipazione dei sensi e delle emozioni. La riflessione teorica sull’arte durante la riforma della Chiesa si caratterizza per una progressiva e consapevole attenzione alle pratiche esperienziali dei fedeli/osservatori.
Parole Chiave: Teoria gregoriana dell’arte, Bruno di Segni, Suger di Saint-Denis, Bernardo di Chiaravalle, Riforma gregoriana, Arte ed esperienza medievale, Arte del xi e xii secolo.
Resumen
Entre los siglos xi y xii, los teólogos interpretaron la arquitectura y la decoración de las iglesias de forma alegórica, como un espejo del conocimiento bíblico y litúrgico. En los escritos de Bruno de Segni, Honorio Augustodunense y Sicardo de Cremona la iglesia constituye un espacio sagrado, un microcosmos que refleja el macrocosmos. Herbert Kessler ha sugerido identificar una “teoría gregoriana del arte” en esta tradición literaria. El artículo retoma las conclusiones de Kessler y argumenta que los escritos de Hugo de Saint-Victor, Suger de Saint-Denis y Bernardo de Claraval también revelan una preocupación por la participación activa de los espectadores en el entorno en el que estaban inmersos. Las obras de arte acompañan a los fieles en un viaje de conocimiento, guiándolos y educándolos mediante la participación de los sentidos y las emociones. La reflexión teórica sobre el arte durante la reforma de la Iglesia se caracteriza por una atención progresiva y consciente a las prácticas vivenciales de los fieles espectadores.
Palabras clave: Teoría gregoriana del arte, Bruno de Segni, Suger de Saint-Denis, Bernardo de Claraval, Reforma gregoriana, Arte y experiencia medieval, Arte de los siglos xi y xii.
The Tangible and the Invisible: from Faces to Concepts, and to Malevich
Lo tangible y lo invisible, de los rostros a los conceptos, y a Malevich
Ivan Foletti
MASARYK UNIVERSITY, BRNO
Abstract
How to represent God was a crucial question in the early Middle Ages. While the idea that the face of Christ could be depicted was accepted, alternative versions emerged over the centuries. Following an initial phase with devotional images oscillating between mimetic and schematic, aniconic images appeared more prevalently. Aniconic ornamentum then became one of the most effective ways to give a tangible dimension to the invisible god.
Keywords: Aniconic Images, Ornamentum, San Vincenzo al Volturno, Sant’Agnese in Rome, Golden Altar of Ambrose, Khachkars, “Crista” of Suger of Saint Denis, Malevich.
Resumen
Cómo representar a Dios fue una cuestión crucial en la Alta Edad Media. Si bien se aceptaba la idea de que se podía representar el rostro de Cristo, a lo largo de los siglos surgieron versiones alternativas. Tras una fase inicial en la que las imágenes devocionales oscilaban entre lo mimético y lo esquemático, aparecieron con más frecuencia las imágenes anicónicas. El ornamento anicónico se convirtió entonces en una de las formas más eficaces de dar una dimensión tangible al dios invisible.
Palabras clave: Imágenes anicónicas, Ornamentum, San Vincenzo al Volturno, Sant’Agnese en Roma, Altar de Oro de Ambrosio, Khachkars, “Crista” de Suger de Saint Denis, Malevich.
Faihful Abstraction: Withdrawals and Simulacra in Late Medieval Nacre
Abstracción fiel: Extracciones y simulacros en el nácar bajomedieval
Elina Gertsman
CASE WESTERN RESERVE UNIVERSITY
Abstract
This essay explores a late medieval osculatory medallion in terms of abstraction, here considered in the medieval definition of the term: as withdrawal, both corporeal and intellectual. Carved from nacre and originally meant to be enclosed with a wax agnus dei, the osculatory embodies abstraction into a figurative, strikingly material object, only to withdraw that figuration and that materiality repeatedly. In and of itself, nacre constitutes a vestige of remotion— maternal matter from which the pearl was abstracted, made into a surface from which the image was abstracted through osculation. The medallion, moreover, spins phantasms around Christ’s flesh: the wafer echoed in the agnus dei, the agnus dei echoed in the nacre plaque, and the image that claimed to represent the divine body in the wafer. To pry apart layers of such mimetic phantasms was to abstract: nacre from wax, wax from wheat, image from prototype.
Keywords: abstraction, withdrawal, nacre, pearl, divine.
Resumen
Este ensayo examina un medallón osculatorio tardomedieval en términos de abstracción, considerada aquí en la definición medieval del término: como retiro, tanto corpóreo como intelectual. Tallado en nácar y originalmente destinado a ser encerrado con un Agnus Dei de cera, el osculatorio encarna la abstracción en un objeto figurativo y sorprendentemente material, sólo para retirar esa figuración y esa materialidad repetidamente. En sí mismo, el nácar constituye un vestigio de remoción: la materia primera de la que se abstrajo la perla, convertida en una superficie de la que se extrajo la imagen mediante la osculación. El medallón, además, hacegirar espectros en torno a la carne de Cristo: la oblea reverbera en el Agnus Dei, el Agnus Dei reverbera en la placa de nácar, y la imagen que pretendía representar el cuerpo divino en la oblea. Separar las capas de estos fantasmas miméticos era abstraer: el nácar de la cera, la cera del trigo, la imagen del prototipo.
Palabras Clave: abstracción, extracción, nácar, perla, divino.
Imagining the Sacred in Virtuoso Chant and Dance: The Music of the Foy and the Dancer/ Singer of Almiphona (Paris, Bnf Ms Lat. 1118, FOL.114)
Imaginar lo sagrado en el canto y la danza virtuosos: La música de Sainte Foy la bailarina/ cantante de Almiphona (Paris, BnF Ms Lat. 1118, Fol. 114)
Bissera V. Pentcheva
STANFORD UNIVERSITY
Abstract
Focus is on the miniature of a singer-dancer and the chant written out on the same folio in the Troper-Proser, Paris, BnF MS Lat. 1118, fol. 114. The music features the untexted sequentia of the prosa Almiphona iam gaudia, sung for Pentecost. It describes the Holy Spirit as a voice, whose effortless song envelopes the celestial gathering in a bright aura. The melodic phrases to which this vision is sung appear in the music for vespers of another saint: Ste. Foy, where they hold a prominent place. Her Office, which carries these melodic motifs, was likely composed at Conques in the early eleventh century. What role does this quotation of melodic phrases play is shaping the presence of the saint? This research also uncovers and addresses the chronological disparity in the pairing of the singer-dancer miniature (late tenth century) on fol. 114 with the Almiphona sequentia, likely written down in the 1030s, sometime after the MS entered St. Martial in Limoges. How does dance relate to chant and what does it say about the paradoxical entwining of eternity with time? To explore these questions, the research draws on the tradition of the Islamic qiyān (singer-dancer) described in the ninth-century qaṣida (poem) of Ibn Rūmī.
Keywords: Almiphona sequentia and prosa, Office of Ste. Foy, chant; qiyān.
Resumen
La atención de este artículo se centra en la iluminación de una cantante-bailarina y el canto escrito en el mismo folio en el Tropario-Prosario, París, BnF MS Lat. 1118, fol. 114. La música presenta la sequentia no textual de la prosa Almiphona iam gaudia, cantada en Pentecostés. En ella se describe al Espíritu Santo como una voz, cuyo canto sin esfuerzo envuelve la reunión celestial en un aura brillante. Las frases melódicas con las que se canta esta visión aparecen en la música de vísperas en conmemoración de otra santa: Ste. Foy. Su Oficio, que lleva estos motivos melódicos, fue probablemente compuesto en Conques a principios del siglo xi. ¿Qué papel desempeña esta citación de frases melódicas en la configuración de la presencia de la santa? Esta investigación también desvela y aborda la disparidad cronológica en el emparejamiento de la miniatura de la cantante-bailarina (finales del siglo x) en el fol. 114 con la sequentia de la Almiphona, probablemente escrita a finales de la década de 1030, después este manuscrito fue adquirido en San Marcial de Limoges. ¿Cómo se relaciona la danza con el canto y qué nos revela sobre el paradójico entrelazamiento de la eternidad con el tiempo? Para explorar estas cuestiones, la investigación se basa en el qiyān islámico (cantante-bailarín) descrito en la qaṣida de Ibn Rūmī del siglo ix.
Palabras clave: Secuencia Almiphona y prosa, Oficio de Santa Fe, cantico; qiyān.
Wisdow´s Creation: A Double Beginning in the Stammheim Missal (1160-1170)
La sabiduría creadora: un doble comienzo en el misal de Stammheim (1160-1170)
Beate Fricke
UNIVERSITÄT BERN
Abstract
The moment in which one opens a book and begins to read is a particularly intriguing moment. Creating a design for the frontispiece of a manuscript thus presented medieval illuminators with a special challenge and a unique opportunity: it was the first pictorial element through which the illuminator could engage the interested reader. The Stammheim Missal (1160- 1170) offered its reader a beginning that addressed the problem of how to “begin” a manuscript by intertwining notions of the creative work of the illuminator with God’s creation of the world. In doing so, I argue, the Missal offers a kind of double beginning. The manuscript’s unique ensemble of four-full-page miniatures, spread over the Missal’s beginning after the calendar, constitutes a highly sophisticated and unique pictorial program. In these images, one discovers God creating the world along with the personification of Wisdom surrounded by several figures from the Old Testament. Turning the pages further, one discovers the story of the Fall and a sophisticated visual reflection on the perception of hidden wisdom. These four pages of illuminations were devised and executed by an unknown painter at Hildesheim. A close reading of these sophisticated pictorial inventions reveals an extremely complex interweaving of thoughts about creation and creativity, perception and cognition, which engaged contemporary scholarly debates about these topics. This missal, I argue, creatively engaged this discourse and its maker devised a unique artistic solution for rendering a variety of forms of “creation” and creative wisdom visible.
Keywords: Creation, Sapientia/Wisdom, Stammheim Missal, Genesis, Manuscript Illumination, Romanesque Art, Creatio ex nihilo.
Resumen
El momento en el que uno abre un libro y comienza a leerlo resulta particularmente intrigante. En este sentido, crear un diseño para el frontispicio de un manuscrito planteaba a los iluminadores medievales un reto especial y una oportunidad única: se trataba del primer elemento pictórico a través del cual el iluminador podía captar al lector interesado. El Misal de Stammheim (1160-1170) ofrecía a su lector un comienzo que se enfrentaba al problema de cómo “empezar” un manuscrito entrelazando nociones de la obra creativa del iluminador con la creación divina del mundo. Al hacerlo así, este Misal ofrece una especie de doble comienzo. El conjunto de cuatro miniaturas a toda página que se halla en este manuscrito a partir del calendario, constituye un programa pictórico único y muy sofisticado. En estas imágenes se encuentra Dios creando el mundo junto con la personificación de la Sabiduría rodeada de varias figuras del Antiguo Testamento. Al seguir pasando las páginas se descubre la historia de la Caída y una reflexión visual sofisticada sobre la percepción del saber oculto. Estas cuatro folios de iluminaciones fueron ideados y ejecutados por un pintor desconocido en Hildesheim. Una lectura atenta de estas sofisticadas invenciones pictóricas revela un entramado extremadamante complejo de concepciones sobre la creación y la creatividad, la percepción y la cognición, que implica ciertos debates académicos sobre estos temas. Este misal, según mi argumento, está relacionado con este discurso, y su autor ideó una solución artística única para hacer visible una variedad de formas de la “creación” y la sabiduría creadora.
Palabras clave: Creación, Sapientia/Sabiduría, Misal de Stammheim, Génesis, Iluminación de manuscritos, Arte románico, Creatio ex nihilo.
From the end to The Beggining: Time, Movement and Cosmology at the Dawn of the Gothic
Del final al principio: tiempo, movimiento y cosmología en los comienzos del gótico
Rocío Sánchez Ameijeiras
UNIVERSIDAD DE SANTIAGO DE COMPOSTELA
Abstract
The profound interest on the study of physics shown by mid-twelfth-century scholars such as Thierry de Chartres and William of Conches coincides with a new mimetic thrust driving the development of architecture and the visual arts aimed at re-creating the natural with features such as column statues on portals, and sculpted vault ribs and bosses on ceilings. I begin this essay by discussing how a group of exceptionally creative artists experimented with geometric patterns and iconographic formulae to give material form to the harmonious gyrations of the celestial bodies as conceived by medieval cosmology in the sculpture displayed on the vaults of the chapter house of La Madelaine of Vézelay. I continue analyzing the way they face the challenge of representing the cosmic upheavals that will announce the End of Time in arches, ribs, and keystones of the Pórtico and the crypt of the west narthex of the cathedral of Santiago de Compostela, linking the two stories together in a unitary discourse. There, the dislocated movement of the metaphorical rebellion of the images against the function of their architectonic supports encompasses the breaking of the cosmological order that eschatological textual traditions prophesize. I will conclude noting that, although a mimetic visual language dominated the ensemble, the Christianized platonic notion of formless matter conveyed through abstract forms emerges there embodying the final destiny of God-created forms. Accordingly,the visual discourse on the End displayed on the late twelfth-century narthex establishes a dialogue which with on the primordial matter was featured in the mis-en-scene- of the Origin of the Word that once adorned the early eleventh century north portal of the building.
Keywords: Vézelay, Santiago de Compostela, astrology, medieval sculpture, non-mimetic forms.
Resumen
El nuevo interés que por el estudio de la física mostraron a mediados del siglo xii autores como Thierry de Chartres o Guillermo de Conches corrió parejo tanto del surgir de nuevos géneros escultóricos –la estatua columna en los portales decorados y la invasión de escultura en claves y nervios de bóveda en las cubiertas– como de la búsqueda de un lenguaje formal mimético que permitiese re-crear el mundo creado por Dios. Compuesto como una suerte de tríptico y con las frágiles fronteras entre ornamento, abstracción y representación mimética como telón de fondo, comenzaré este trabajo reflexionando sobre el modo en que artistas especialmente creativos experimentaron con patrones geométricos y fórmulas iconográficas del más variado origen para lograr dar forma material al armónico orbitar de los cuerpos celestes que imaginó la cosmología medieval en las bóvedas de la sala capitular de La Madelaine de Vézelay. Continuaré analizando cómo, una vez llegados a Compostela, afrontaron el difícil reto que supone representar la revolución cósmica que anunciará el Final de los Tiempos en los arcos, nervios y claves de la bóveda del Pórtico de la Gloria y de la cripta del nártex occidental de la catedral, integrando ambos cuerpos en un discurso unitario. Allí el movimiento dislocado de la rebelión metafórica de las imágenes contra la función de sus soportes arquitectónicos acompasa la ruptura del orden celeste que habían anunciado las tradiciones escatológicas textuales. Concluiré advirtiendo que, a pesar de que el lenguaje visual del conjunto es predominantemente mimético, la noción platónica cristianizada de materia informe emerge allí, expresada por medio de formas abstractas, encarnando el destino final de las formas creadas por Dios. En consecuencia, el discurso visual sobre el Final del cierre occidental de la catedral establece un diálogo con el que sobre la materia primordial se desplegó originalmente en la puesta en escena del Origen del mundo en la portada norte del edificio labrada a comienzos del siglo xii.
Palabras clave: Vézelay, Santiago de Compostela, astrología, escultura gótica, formas no miméticas.
The Curius Case of the Prostitutes´Window
El curioso caso de la ventana de las Prostitutas
Elizabeth Carson Pastan
EMORY UNIVERSITY, ATLANTA, GA
Abstract
The Parisian theologian Peter the Chanter first relayed the tale of the prostitutes who wanted to give a gift to the church in his Summa de sacramentis et animae consiliis from the end of the 12th century. This tale, which may have originated in the case study method used by Peter and his circle at the University of Paris, would only gain in detail. Allusions and retellings by Peter’s students included Thomas of Chobham, who specified that the prostitutes wanted to give a stained-glass window (fenestra vitrea nobile) to the cathedral of Notre-Dame of Paris, but the bishop would not allow it. This essay seeks to assess the likelihood of such a gift, by examining both the textual tradition and the contemporary context of large-scale buildings, stained-glass windows, and prostitution, all of which add to the “truthiness” of the tale.
Keywords: stained glass, prostitute (meretrix publica), Peter the Chanter, Thomas of Chobham, Notre-Dame of Paris, rose window.
Resumen
El teólogo parisino Pedro el Chantre (Peter the Chanter) relató por primera vez la historia de las prostitutas que querían hacer un regalo a la Iglesia en su Summa de sacramentis et animae consiliis de finales del siglo xii. Este relato, que podría tener su origen en el método de estudio de casos utilizado por Pedro y su círculo en la Universidad de París, sólo ganaría en detalles. Entre las alusiones y relatos de los alumnos de Pedro se encuentra el de Tomás de Chobham, que especifica que las prostitutas querían regalar una vidriera (fenestra vitrea nobile) a la catedral de Notre-Dame de París, pero el obispo no lo permitió. Este ensayo trata de evaluar la probabilidad de que se produjera tal regalo, examinando tanto la tradición textual como el contexto contemporáneo de los edificios de gran tamaño, las vidrieras y la prostitución, todo lo cual contribuye a la “verosimilitud” del relato.
Palabras clave: vidriera, prostituta (meretrix publica), Pedro el Chantre/Peter the Chanter, Tomás of Chobham, Notre-Dame de París, rosetón.
Nordic, and European. The Relic Shrine from Filefjell (Norway), 1230-1250
Nórdico y Europeo. El relicario de Filefjell (Noruega), 1230-1250
Justin Kroesen
UNIVERSITY MUSEUM OF BERGEN (NORWAY)
Abstract
The thirteenth-century relic shrine from Filefjell (Norway), which is now part of the church art collection at the University Museum of Bergen, is among the most richly decorated and best preserved of its type in Scandinavia. The house-shape of the shrine and its supporting structure correspond to that of contemporary relic shrines found across Europe. Its crowning, a tendrilled crest with projecting dragonheads at both ends, however, was drawn from local pre-Christian artistic traditions in Viking woodcarving. Most fascinating are the motifs that decorate the shrine’s sides, which are derived from foreign and much older canons, namely that of early Christian (Christ and the apostles) and Classical art (medallions).
Keywords: medieval Norway, medieval art, Christianisation, relic shrines, Classical iconography.
Resumen
El relicario del siglo xiii de Filefjell (Noruega), que ahora forma parte de la colección de arte religioso del Museo Universitario de Bergen, es uno de los más ricos y mejor conservados de su tipo en Escandinavia. La morfología de casa que presenta el relicario y su estructura de soporte es análoga a la de otros contenedores de reliquias contemporáneos conservados en toda Europa. Sin embargo, su coronación en forma de zarcillo, con cabezas de dragón que sobresalen en ambos extremos, procede de las tradiciones artísticas locales precristianas de la talla de madera vikinga. Lo más fascinante son los motivos que decoran los laterales del recipiente sacro, que proceden de los cánones iconográficos foráneos y mucho más antiguos, concretamente del arte paleocristiano (Cristo y los Apóstoles) y del arte clásico (medallones).
Palabras clave: Noruega medieval, arte medieval, Cristianización, relicarios, iconografía clásica
Anachronic Limitations: A Medieval Reflection on the Scuola di San Giorgio Degli Schiavoni
Limitaciones anacrónicas. Ecos medievales en la Scuola di San Giorgio degli Schiavoni
Eric Palazzo
UNIVERSITÉ DE POITIERS
Abstract
This paper explores the iconographic complexities of Vittore Carpaccio’s Saint Augustine in his Study, housed in the Scuola degli Schiavoni in Venice. Executed at the beginning of the sixteenth century, the work is part of a large cycle of paintings, primarily focused on the life of Saint Jerome. By reconsidering some of the painting’s canonical iconographic features, I suggest that concrete references to the Eucharistic ritual remain critical to our understanding of its composition. In examining this previously unacknowledged liturgical dimension, I demonstrate how the artificial barriers of art-historical periodization complicate our understanding of medieval and “Renaissance” art.
Keywords: Liturgy, altar, Eucharist, shadow, theology, studiolo.
Resumen
Esta contribución explora las complejidades iconográficas de San Agustín en su estudio de Vittore Carpaccio, conservado en la Scuola degli Schiavoni de Venecia. Realizada a principios del siglo xvi, la obra forma parte de un amplio ciclo de pinturas, centradas principalmente en la vida de San Jerónimo. Al reconsiderar algunos de los rasgos iconográficos canónicos del cuadro, sugiero que las referencias concretas al ritual eucarístico siguen siendo fundamentales para comprensder su composición. El examen de esta dimensión litúrgica, hasta ahora no reconocida, me permite demostrar cómo las barreras artificiales de la periodización histórico-artística complican nuestra comprensión del arte medieval y “renacentista”.
Palabras clave: Liturgia, altar, Eucaristía, sombra, teología, studiolo
Landschaft und Religiöses Sujet in der venezianischen Malarei 1440/50
Paisaje y temática religiosa en la pintura veneciana 1440-1450
Rebecca Müller
UNIVERSITÄT HEIDELBERG
Abstract
A panel painting produced around 1450 in the Vivarini workshop depicts Christ as the "Man of Sorrows" in front of a landscape. The visualization of nature as three-dimensional space reaching to the horizon, serving as a backdrop to the dead Christ comes as a surprise in Venetian painting in these years. This article analyses the relationship between the unblemished body, the landscape and a painted frame as parts of the composition. It investigates to what extent the particular conception of nature commented on and expanded upon the image of Christ in this painting, and it enquires into the underlying Christological concept. The rendering of spatial distance, employing contemporary artistic techniques in order to display depth, begs the question to what extent the painter was confronting new demands of aesthetics, contributed to by contemporary literary reflections on perspective in Venice and Padua.
Keywords: Image of Christ, Christological concepts, landscape, painted frame, Antonio Vivarini, Giovanni d’Alemagna.
Resumen
Una pintura sobre tabla realizada en torno a 1450 en el taller Vivarini representa a Cristo como "Varón de Dolores" delante de un paisaje. La visualización de la naturaleza como espacio tridimensional que llega hasta el horizonte, sirviendo de telón de fondo al Cristo muerto, es una inesperada aportación en la pintura veneciana de estos años. Este artículo analiza la relación entre el cuerpo inmaculado, el paisaje y un marco pintado como partes de la composición. Se investiga hasta qué punto la particular concepción de la naturaleza vino a comentar y ampliar la imagen de Cristo en esta pintura; se indaga, en consecuencia, en el concepto cristológico subyacente. La representación de la distancia espacial, empleando técnicas artísticas contemporáneas para mostrar la profundidad, plantea hasta qué punto el pintor se enfrentaba a las nuevas exigencias de la estética, a las que contribuían las reflexiones literarias contemporáneas sobre la perspectiva formuladas en Venecia y Padua.
Palabras Clave: Imagen de Cristo, conceptos cristológicos, paisaje, marco pintado, Antonio Vivarini, Giovanni d’Alemagna.
Experiencing the Gigantic in Late Medieval Art
La experiencia de lo gigantesco en el arte Tardomedieval
Assaf Pinkus
TEL AVIV UNIVERSITY
Abstract
The visual landscape north of the Alps around 1400 was shaped by colossal representations of epic and mythological giants, cast as Christian heroes. Whether in religious or secular contexts, all were executed “out of scale”, measuring between 4-12 meters in height, and installed in locations that prevented assessment of their actual size. Rather than portraying specific characters from particular texts, the figures embody the notion of “the gigantic” as it appeared in contemporary writings: superhuman beings from liminal spaces associated with supernatural powers. I argue that the experience of the gigantic was achieved through the interplay between size (colossal iconic representations of giants) and scale (giants depicted within illusionistic settings). I further suggest that scaling either up or down constituted a key element in constructing the period’s cultural ideologies. Communicating ideas about excess, the giants were experienced as physically and ethically abject and, at the same time, as magnificent and redemptive.
Keywords: giants/giantesses, scale, measurement, experience, Runkelstein Castle, Arthurian Literature, The Pleier’s Garel of the Blooming Valley.
Resumen
El paisaje visual al norte de los Alpes en torno al año 1400 estaba conformado por representaciones colosales de gigantes épicos y mitológicos, convocados como héroes cristianos. Ya sea en contextos religiosos o seculares, todos fueron ejecutados “fuera de escala”, midiendo entre 6 y 10 metros de altura, instalados en lugares que impedían advertir su tamaño real. Más que retratar a personajes específicos de textos concretos, las figuras encarnan la noción de “lo gigantesco” tal y como aparecía en los escritos contemporáneos: seres sobrehumanos de espacios liminales asociados a poderes sobrenaturales. Justifico que la experiencia de lo gigantesco se logró a través de la interacción entre el tamaño (colosales representaciones icónicas de gigantes) y la escala (gigantes representados dentro de escenarios ilusionistas). Además, razono que el aumento o la disminución de la escala constituyó un elemento clave en la construcción de las ideologías culturales de la época. Puesto que comunicaban ideas sobre lo excesivo, los gigantes fueron experimentados como física y éticamente abyectos y, al mismo tiempo, como magníficos y redentores.
Palabras clave: gigantes, escala, medida, experiencia, Castillo de Runkelstein, Literatura Artúrica, El Garel de Pleier del Valle Floreciente.
Medieval Iconographic Rings: Constructing a Cultural Context
Anillos iconográficos medievales. La construcción de un contexto cultural
Sandra Hindman
LES ENLUMINURES
Abstract
This essay examines an important but long-overlooked type of medieval object, known as “iconographic rings,” and considers their contribution to devotional practices in late-medieval England. Building on Herbert Kessler’s observations concerning the significance of portable objects in medieval art, it contextualizes iconographic rings within a broader circuit of religious imagery, underscoring their uniqueness as wearable prayers, more personal and intimate than other devotional objects like Books of Hours, the imagery from which they draw closely. Utilizing data from a newly completed census, this essay also counters recent scholarship that has characterized iconographic rings as commonplace or populuxe items, showing instead that they were luxury objects created for an emerging middle class. Personalized with inscriptions and name-saints for their owners, iconographic rings take us inside one of the most intimate forms of devotion and make us rethink the relationship between image and prayer in latemedieval England.
Keywords: English manuscript illumination; Private devotion; Medieval jewelry; Iconographic Ring; Black-letter inscription; Prayer; Book of Hours.
Resumen
Este ensayo examina un tipo de objeto medieval importante, pero que se ha pasado por alto durante mucho tiempo, conocido como “anillos iconográficos”. Se considera en estas páginas su contribución a las prácticas devocionales en la Inglaterra bajomedieval. Partiendo de las observaciones de Herbert Kessler sobre la importancia de los objetos portátiles en el arte medieval, contextualiza los anillos iconográficos dentro de un circuito más amplio de imaginería religiosa, subrayando su singularidad como oraciones llevables, más personales e íntimas que otros objetos devocionales como los Libros de Horas, cuya imaginería extraen estrechamente. Utilizando los datos de un censo recientemente completado, este ensayo también contrarresta los estudios recientes que han caracterizado los anillos iconográficos como objetos comunes o populuxe, mostrando en cambio que eran objetos de lujo creados para una clase media emergente. Personalizados con inscripciones y nombres de santos para sus propietarios, los anillos iconográficos nos llevan al interior de una de las formas más íntimas de devoción y nos hacen repensar la relación entre imagen y oración en la Inglaterra bajomedieval.
Palabras clave: manuscritos ingleses iluminados; devoción privada; joyería medieval; anillo iconográfico; inscripción de letra negra; oración; libro de horas
Medieval treasure List: An Unexplored Genre
Guías del Tesoro Medieval: un género inexplorado
Allegra Iafrate
MINISTERIO DEGLI AFFARI ESTERI E DELLA COOPERAZIONES INTERNAZIONALE
Abstract
Medieval and early modern treasure guides, though usually overlooked, can be highly informative. Most consist of lists of dozens or even hundreds of synthetic entries pertaining to hidden troves in various locations. The article begins with a brief overview of this textual typology, mapping the most important known examples in Europe and elsewhere around the Mediterranean. This sketch lays the foundation for an in-depth analysis of certain guides pertinent to the Italian region that show traces of reciprocal textual filiation. Philological, historical, and formal elements demonstrate that the nucleus of this group is the result of notary practices originating in medieval chancelleries, though the genre is also to some extent modeled on Late Antique precedents, which, in turn, appear to owe much to Hellenistic practices.
Keywords: treasure guides, lists, pragmatic literacy, notitiae, temple inventories, epigraphy.
Resumen
Las guías de tesoros medievales y de la primera Edad Moderna, aunque suelen pasarse por alto, pueden contener una información muy provechosa. La mayoría ofrecen listas de docenas, o incluso cientos, de entradas sintéticas relativas a tesoros ocultos en diversos lugares. El artículo comienza con una breve visión general de esta tipología textual, trazando un mapa de los ejemplos más importantes conocidos en Europa y en otros lugares a lo largo del Mediterráneo. Este esbozo sienta las bases para un análisis en profundidad de algunas guías pertinentes para la región italiana, que muestran rastros de filiación textual recíproca. Los elementos filológicos, históricos y formales demuestran que el núcleo de este grupo de documentos es el resultado de las prácticas notariales originadas en las cancillerías medievales, aunque el género también quedó modelado -en cierta medida- por los precedentes de la Antigüedad Tardía, que, a su vez, parecen deber mucho a las prácticas helenísticas.
Palabras clave: guías del tesoro, listas, alfabetización pragmática, notitiae, inventarios de templos, epigrafía.
Slavery, Race, Empire: Eighteenth- and Nineteenth- Century Representations of Gregory with the English Slaves
Esclavitud, Raza e Imperio: San Gregorio con los esclavos anglos en representaciones de los siglos XVIII y XIX
Celia Chazelle
THE COLLEGE OF NEW JERSEY
Abstract
This essay surveys varied retellings of the legend of Gregory the Great meeting a group of “Angle” slaves, in eighteenth- to nineteenth-century histories of Britain, and analyzes a watercolor of the episode by William Blake along with an engraving designed by the Victorian artist, Sir George Scharf. The legend was rarely illustrated before the nineteenth century; it became a popular subject of Victorian art partly because it aligned with the belief that the successes of the British Empire resulted from the superiority of the English, Saxon, or Teutonic race. Studying the two pictures together provides insight into the range of artistic approaches to illustrating this legend between the Enlightenment and Victorian eras. Present-day social concerns as well as developing racial ideologies may illumine the design choices of Blake and Scharf, and responses among contemporary English viewers of their pictures.
Keywords: Gregory the Great, William Blake, Sir George Scharf, slavery, race.
Resumen
Este texto examina las diversas versiones de la leyenda de Gregorio el Grande encontrándose con un grupo de esclavos «anglos», tal y como se formuló en historias británicas durante los siglos xviii y xix. Además, analiza una acuarela del episodio realizada por William Blake junto con un grabado diseñado por el artista victoriano Sir George Scharf. Esta leyenda, que rara vez se ilustró antes del siglo xix, se convirtió en un tema popular del arte victoriano, en parte porque coincidía con la creencia de que los éxitos del Imperio Británico eran el resultado de la superioridad de la raza inglesa, sajona o teutónica. El estudio conjunto de los dos dibujos permite comprender la disparidad de los enfoques artísticos asumidos para ilustrar esta leyenda,primero durante la Ilustración y después en la época victoriana. Las preocupaciones sociales del momento, así como el desarrollo de las ideologías raciales, pueden ayudar a comprender las opciones de diseño de Blake y Scharf, respectivamente, así como las respuestas de los espectadores ingleses contemporáneos de sus cuadros.
Palabras clave: Gregorio Magno, William Blake, Sir George Scharf, esclavismo, raza
Art, Religion and Narrative: A Comparison of Early Christian and Early Buddhist Indian Art
Arte, religión y narración. Una comparación del primer arte cristiano y el temprano arte indio budista
Ja Elsner
UNIVERSITY OF OXFORD/ UNIVERSITY OF CHICAGO
Abstract
This article, in honour of one of the greatest living scholars of early Christian Medieval art, attempts to use a comparative method to examine the development and uses of narrative in the arts of early Christianity and early Buddhism – both new religious interventions in their respective landscapes, which conducted major revisions of their visual and dogmatic worlds, and employed visual imagery in relation to Scripture. In particular I compare images that conflate different times from the arts of each religion – a typological juxtaposition of Old and New Testaments in a fourth century Roman sarcophagus found in southern France and the thematic juxtaposition of a scene from the Buddha’s final life with ones from his earlier incarnations as recounted in the Jātaka tales on a probably third-century CE frieze from a stūpa in southern India. At stake art historically are the ways that images supplied commentarial competition to the forms of commentary and exegesis offered by texts in both religions and cultural contexts, through parallels of visual narrativity implied by the themes juxtaposed.
Keywords: Early Christian art, Sarcophagus, Typology, Narrative, Buddhist art, Stūpa, Amarāvatī, Jātaka, Nālāgiri, Comparison.
Resumen
Este artículo, en honor de uno de los mayores estudiosos vivos del arte medieval paleocristiano, intenta utilizar un método comparativo para examinar el desarrollo y los usos de la narrativa en las artes del cristianismo temprano y del budismo temprano, unas y otras nuevas intervenciones religiosas en sus respectivos paisajes. Ambos llevaron a cabo importantes revisiones de sus mundos visuales y dogmáticos, y emplearon imágenes visuales en relación con las Escrituras. En particular, en estas páginas comparo imágenes que combinan diferentes épocas de las artes de cada religión: una yuxtaposición tipológica del Antiguo y el Nuevo Testamento en un sarcófago romano del siglo iv encontrado en el sur de Francia y la yuxtaposición temática de una escena de la vida final de Buda con otras de sus encarnaciones anteriores, tal y como se relata en los cuentos Jātaka en un friso probablemente del siglo iii de una stūpa del sur de la India. Lo que está en juego desde el punto de vista del arte son los modos en que las imágenes proporcionaban una competencia a las formas de comentario y exégesis ofrecidas por los textos en ambas religiones y contextos culturales. El examen se efectúa a través de los paralelos de narratividad visual implícitos en los temas yuxtapuestos.
Palabras clave: Arte paleocristiano, Sarcófagos, Tipología, Narrativa, Arte budista, Stūpa, Amarāvatī, Jātaka, Nālāgiri, Comparación.
Nails and Blacksmiths in Ethiopian Art (13 Th-19Th Centuries)
Clavos y herreros en el arte etíope (siglos XVIII-XIX)
Marcia Kupfer
INDEPENDENT SCHOLAR
Abstract
A wholly indigenous, non-Hebraic form of Jewish religion emerged in the northern highlands of Ethiopia, where Christianity had predominated since the mid-fourth century and Islam flourished from the seventh. Adherents, who prefer the name Beta Israel (House of Israel), eventually lost their land rights by imperial decree (1414–29). The slur Falasha (landless), circulating in Ge’ez as well in Hebrew, Arabic, and Portuguese sources from the 1520s, captured their dispossession. Dispersed and reduced to tenant farming, the Beta Israel took up weaving, pottery, and most notably ironwork, despised trades associated with demonic magic (buda). The convergence of religious identity and occupational caste gradually solidified between the fifteenth and seventeenth centuries. I adduce art historical evidence to show that imported antiJewish tropes, disseminated in Ethiopia through Catholic missions and embassies, coalesced with native traditions to redefine the Beta Israel in diabolic terms.
Keywords: Ethiopian art, Blacksmiths, Nails, Ironwork, Beta Israel, Jews, Anti-Judaism, Jesuits, Catholic missions.
Resumen
Una forma de religión judía totalmente autóctona y no hebraica surgió en las tierras altas del norte de Etiopía, donde el cristianismo había predominado desde mediados del siglo iv y el Islam floreció a partir del siglo vii. Los adeptos, que prefieren el nombre de Beta Israel (Casa de Israel), acabaron perdiendo sus derechos territoriales por decreto imperial (1414-1429). El calificativo de Falasha (sin tierra), que circula tanto en ge’ez como en fuentes hebreas, árabes y portuguesas desde la década de 1520, recoge su enajenación. Dispersos y reducidos a la agricultura de arrendamiento, los Beta Israel se dedicaron a la tejeduría, la alfarería y, sobre todo, la herrería, oficios despreciados y asociados a la magia demoníaca (buda). La convergencia de la identidad religiosa y la casta ocupacional se consolidó gradualmente entre los siglos xv y xvii. En este artículo aporto pruebas históricas del arte para demostrar que los tropos antijudíos importados, difundidos en Etiopía a través de las misiones y embajadas católicas, confluyeron con las tradiciones nativas para redefinir el Beta Israel en términos diabólicos..
Palabras Clave: Arte etíope, herreros, clavos, herrajes, Beta Israel, judíos, antijudaísmo, jesuitas, misiones católicas.
Brouillards de peine et de colere
Nieblas de dolor y cólera
Georges Didi-Huberman
ÉCOLE DES HAUTES ÉTUDES EN SCIENCES SOCIALES
Abstract
The death of Patroclus enveloped Achilles in a black cloud of grief (achos), which was expressed by the mournful gesture of covering himself with thick ash, over which opened grooves the flowing tears that streamed down the face of the anguished hero. His harassed vitality poured out through the tears, as well as through the sperm. In the Iliad the constitutive matter of life and death and the flux of overflowing emotion were interchangeable and even indistinguishable, because they were all understood to possess a porous nature. The fluid transmission was consummated between bodies and humours, but also in the psyche, since thought and desire were not segregated in the Homeric vocabulary. Thymos - the seat of all these emotions, vital breath and psychic substance - was understood as vaporous. It was the tears turned to mist that gestated the mist of anger that veiled the hero’s discernment. On the other hand, in vision (oida) perception was fulfilled, which was linked to cognition, emotion and the will to act. It was Aristotle who antithetically categorised action and passion - understood that as an error of judgement and no longer as a principle of fecundity - although he retained the idea that spermatic vaporisation was inherent in the glimpse. Modernity rethought the passions from other premises and came to provide a collective hygiene to contain individual passions. Prud’hon’s exceptional drawing enlighteningly expresses the intense passion of the emotional vaporisation.
Keywords: Passion, Anger, Iliad, Thymos, Emotional Vaporisation, Aristotle, Hygiene, Baudelaire, Pierre-Paul Prud’hon.
Resumen
La muerte de Patroclo envolvió a Aquiles en una nube negra de aflicción (achos), que se expresó con el gesto doliente de cubrirse de ceniza espesa, sobre la que surcaron las lágrimas florecientes que discurrían por el rostro del héroe angustiado. La atosigada vitalidad del héroe se derramaba a través de las lágrimas, como también del esperma. En la Iliada la materia constitutiva de la vida y de la muerte y el flujo de la emoción desbordada eran intercambiables y hasta indistinguibles, porque se entendía que todas poseían una naturaleza porosa. La transmisión fluida se consumaba entre los cuerpos y los humores, pero también en la psique, puesto que pensamiento y deseo no estaban segregados en el vocabulario homérico. El thymos –asiento de todas esas emociones, aliento vital y substancia psíquica– se entendía vaporoso. Fueron las lágrimas convertidas en vaho las que gestaron la niebla de ira que velaba el discernimiento del héroe. En la visión (oida), por su parte, se cumplía la percepción, que quedaba vinculada a la cognición, a la emoción y a la voluntad de acción. Fue Aristóteles quien categorizó antitéticamente acción y pasión –entendida como error de juicio y no ya como principio de fecundidad–, aunque conservó la idea de que la vaporización espermática era inherente al vistazo. La Modernidad repensó las pasiones desde otras premisas y llegó a proveer una higiene colectiva para contener las pasiones individuales. Pocas obras expresan más esclarecedoramente la vaporización pasional que un dibujo de Prud’hon.
Palabras clave: Pasión, Ira, Iliada, Thymos, Vaporización emocional, Aristóteles, Higiene, Baudelaire, Pierre-Paul Prud’hon.