El objetivo del coloquio Belleza, persuasión y retórica en el arte medieval no es rechazar ni cuestionar la importancia de las ambiciones intelectuales del arte medieval. Se examinarán los modos en que ornamentos y efectos de superficie, orden y variedad, imágenes curiosas o repulsivas, el humor y el ilusionismo, los efectos armónicos y discordantes, y los sistemas de retórica visual activaron las emociones y se emplearon para fines diversos.
En las últimas décadas, los estudios de historia del arte medieval han pasado de estudiar el significado de las obras a analizar su materialidad. Más recientemente, Mary Carruthers, Paul Binski y otros académicos han renovado el estudio sobre la experiencia estética medieval. Para desentrañar y razonar las nociones sobre belleza y fealdad durante la Edad Media, estos autores han tomado textos dispersos en Agustín, Guido de Arezzo, Alain de Lille, Pedro de Celle, Bonaventura, Robert Grosseteste, Tomás de Aquino… con los que han compensado la ausencia de un corpus documental y una filosofía articulada. ¿De qué modo se entendía que los artefactos generaban deleite, disgusto, miedo y otras emociones? El estudio de esta cuestión capital ha puesto el foco sobre cuestiones como estilo, humor, artificio, dificultad y engaño. Este giro analítico ha acarreado una provechosa consecuencia: el placer derivado de la contemplación del ornamento superficial merece tanta atención como la exégesis de las imágenes bíblicas. La reconciliación de sensaciones diversas llega a ser tan importante como la iconografía de la materia. Las imágenes se distribuían, también, para aliviar el aburrimiento y esta cuestión debe considerarse junto con la especulación teológica. Dicho de otro modo: los falsos mármoles merecen tanta atención como la piedra real, incluso tal vez más.
Basándose en trabajos recientes, y conforme a las investigaciones desarrolladas en el coloquio Ars Mediaevalis de 2018 en torno al papel de los sentidos y la memoria, este noveno coloquio considerará el poder del arte medieval en dos planos complementarios: persuadir y construir conocimiento. El objetivo del coloquio Belleza, persuasión y retórica en el arte medieval no es rechazar ni cuestionar la importancia de las ambiciones intelectuales del arte medieval. Se examinarán los modos en que ornamentos y efectos de superficie, orden y variedad, imágenes curiosas o repulsivas, el humor y el ilusionismo, los efectos armónicos y discordantes, y los sistemas de retórica visual activaron las emociones y se emplearon para fines diversos.
Belleza ordinaria y sensibilidad humana
Ordinary Beauty and Human Sensibility
Mary Carruthers
New York University
Resumen
Partiendo de la distinción hegeliana entre las concepciones ideales y “ordinarias” de la belleza en el arte, este artículo examina algunos de los orígenes de la crucial preocupación medieval por las experiencias estéticas humanas. Hay dos ideas medievales sobre la belleza distintas: una deriva de las ideas neoplatónicas de un ideal matemático no humano, y la otra anclada en las características –descritas por Aristóteles– de las experiencias estéticas humanas que se originan en las respuestas inmediatas de la gente a lo que ven y sienten. Isidoro de Sevilla relacionaba la “piel” con el “color” y la “sangre”; esta conexión también se ve en una fascinación con múltiples superficies y colores, una copiosa variedad en obras que retraen a los observadores sobre sí mismos para descubrir su amplitud y “darles sentido”. Se trata de obras que invitan a la discusión y al debate más que codificar simples lecciones morales.
Palabras clave: Estéticas; variedad; Isidoro de Sevilla; Aristóteles; color
Abstract
Starting from Hegel’s distinction between ideal and ‘ordinary’ ideas of beauty in art, this paper examines some of the origins of the central medieval concern with human aesthetic experiences. There are two different medieval ideas of Beauty, one deriving from Neoplatonist ideas of a non-human mathematical Ideal, and the other anchored in the characteristics, described by Aristotle, of human aesthetic experiences which originate in people’s immediate responses to what they are seeing and feeling. Isidore of Seville related ‘skin’ to ‘colour’ and ‘blood’—this connection is also seen in a fascination with multiple surfaces and colours, a copious variety within works which draw viewers into themselves, to discover
Keywords: Aesthetics; variety; Isidore of Seville; Aristotle; colour
Medieval Ut pictura poesis: Rhetoric, Aesthetics, and Monstrosity in a Twelfth-Century Illustrated Horace
Ut pictura poesis medieval: retórica, estética y monstruosidad en un Horacio ilustrado del siglo XII
Jeffrey F. Hamburger
Harvard University
Abstract
A little-known, but extensively illuminated twelfth-century manuscript of Horace’s poetical works, among them the Ars poetica, provides an occasion to reexamine interrelationships among rhetoric, the monstrous, and the grotesque in Romanesque art within the context of the poet’s theorization of aesthetic norms and ideals. While hardly paradigmatic, the manuscript’s numerous historiated initials nonetheless provide insight into how the myriad monstrous forms of medieval art were read by monastic audiences and, no less, how they can be interpreted today.
Keywords: Horace, Ars poetica, grotesque, monsters, the monstrous, historiated initials, mythology, antiquity.
Resumen
Un manuscrito del siglo xii, poco conocido pero ricamente iluminado, contiene las obras poéticas de Horacio, entre ellas el Ars poetica. Este códice ofrece una excelente ocasión para reexaminar las interrelaciones entre la retórica, lo monstruoso y lo grotesco en el arte románico dentro del contexto de la teorización del poeta de las normas estéticas y sus ideales. Aunque no resulten paradigmáticas, las numerosas iniciales historiadas del manuscrito proporcionan una idea de cómo deben ser leídas por las audiencias monásticas originales y, también, cómo pueden ser interpretadas hoy.
Palabras Clave: Horacio, Ars poetica, grotesco, monstruos, monstruosidad, iniciales historiadas, mitología, Antigüedad.
Faithful Attraction
Atracción fiel
Herbert L. Kessler
Johns Hopkins University
Abstract
Beauty’s power was a constant theme in medieval discourse. Whereas God had created the cosmos and its adornments, sensual attraction potentially led to self-gratification that distracted from spiritual redemption. As Hugh of Saint-Victor put it, “attracted by the desire for temporal goods [the wanderers in this world] are unable to find the love for those things that are eternal” The Virgin Mary’s beauty was an exception. So appealing that it had attracted God himself, it served as an aesthetic semaphore on the path of those seeking to the Paradise sacrificed when Eve had succumbed to temptation and sinned. Extolled in a twelfth- and thirteenth-century devotional poetry through chains of metaphors of mundane beauty – sunrise, white ivory, stars, flowers, etc. – the Virgin’s suavitas singularis was conveyed in art through rich hues,intricate ornaments, and precious materials, understood to reflect an inner beauty painted by“God, the celestial artist.” Identified with ecclesia, it provided a glimpse of the promised gloryand, at the same time, a shield against God’s own blinding splendor. As the Cantigas de SantaMaria put it: “Because of our sinful nature, we would never have seen the face of God, whois our light and day, without you (Mary), who is our dawn.”
Keywords: Cantigas de Santa Maria, San Marco in Venice, Sta. Maria Assunta in Torcello, Sta.Maria in Trastevere in Rome, Grünewald, Juan Gil de Zamora, acheiropoieta, desire, art nd nature, Albertus Magnus, Hildebert of Lavardin .
Resumen
El poder de la belleza fue un tema constante en el discurso medieval. En contraposición a Dios,que había creado el cosmos y sus ornamentos, literalmente cosméticos, la atracción sensual llevó potencialmente a la gratificación personal, que distrajo de la redención espiritual. Como decía Hugo de Saint-Victor, “atraídos por el deseo de los bienes temporales [los vagabundos de este mundo] no pueden encontrar el amor por las cosas eternas”. No obstante, la belleza de la Virgen María constituyó una excepción. Tan atractiva era que había atraído a Dios mismo. Sirvió como un semáforo estético en el camino de aquellos que buscaban el Paraíso sacrificado, toda vez que Eva había sucumbido a la tentación y había pecado. Elogiada en una poesía devocional de los siglos xii y xiii a través de cadenas de metáforas de belleza mundana (sol, marfil blanco, estrellas, flores, etc.), la suavitas singularis de la Virgen fue transmitida en el arte a través de ricos matices, intrincados ornamentos y materiales preciosos, entendidoscomo reflejo de una belleza interior pintada por “Dios, el artista celestial”. Identificado con la Ecclesia, permitía vislumbrar la gloria prometida y, al mismo tiempo, era un escudo contra el propio esplendor cegador de Dios. Como dicen las Cantigas de Santa María: “Debido a nuestranaturaleza pecaminosa, nunca hubiéramos visto el rostro de Dios, que es nuestra luz y día, sin ti (María), que eres nuestra aurora”.
Palabras Clave: Cantigas de Santa Maria, San Marcos de Venecia, Sta. Maria Assunta in Torcello, Sta. Maria in Trastevere de Roma, Grünewald, Juan Gil de Zamora, acheiropoieta, deseo,arte y naturaleza, Alberto Magno, Hildeberto de Lavardin.
Rebellious architecture: Movement, subversion and transubstantiation in the visionary mode
Arquitectura insurgente: movimiento, subversión y transubstanciación en el modo visionario
Rocío Sánchez Ameijeiras
Universidad de Santiago de Compostela
Abstract
Years ago, Madeline H. Caviness defined the visionary mode as a distinct mode of expression characterized by a preference for geometric forms, for compositions highly ordered and hierarchical where disorder, as embodied in the contorted figures that inhabit Hell in Last Judgement portals, fitted in with an aesthetic of contrast. What I want to contend here, focusing on the aesthetics of movement and subversion which permeates Romanesque and Early Gothic visionary discourses, is that visionary imagery rebels, more than occasionally, against the “DivineOrder”. Formal devices envisioned to perceive an illusory movement, designs intended to evoke the transubstantiation of matter and imagery decorating architectonic elements that make them figuratively rebel against their function animate capitals, columns, arches, ribs and bosses in the three- dimensional scenario that is the medieval west end of Santiago cathedral, in such a way that they seem to challenge well-established traditions. But Compostela is the results of earlier experiences carried out in the portal of Saint-Pierre of Moissac, on the bosses of La Madeleine de Vézelay, or on painted vaults like those of Saint-Chef et Saint-Théudéreen-Dauphiné and San Pietro al Monte in Civate, in Lombardy.
Keywords: Saint-Pierre of Moissac, Pórtico de la Gloria of Santiago de Compostela cathedral, visionary discourses, medieval aesthetics, subversion of architectonic symbolism.
Resumen
Hace años Madeline H. Caviness definió el modo visionario como un modo particular de expresión caracterizado por la preferencia por formas geométricas y composiciones altamente jerarquizadas, en las que el desorden, como el que encarnan los condenados en el infierno en las portadas de Juicio Final, responde a una estética del contraste. Lo que propongo aquí, centrándome en el análisis de una estética del movimiento y de la subversión presente en discursos visionarios románicos y del primer gótico, es que la imaginería visionaria se rebela, en bastantes ocasiones, contra el “Orden Divino”. La ilusión de movimiento, diseños pensados para evocar la transubstanciación de los materiales y el hecho de decorar elementos arquitectónicos con imágenes que parecen rebelarse contra su función animan capiteles, columnas, arcos, nervios y claves de bóveda en el escenario tridimensional que es el cierre occidental de la catedral compostelana de tal manera que parecen desafiar tradiciones firmemente establecidas. Pero Compostela es el resultado de experiencias anteriores llevadas a cabo en la portada de Saint-Pierre de Moissac, en las claves de bóveda de La Madeleine de Vézelay, o en las bóvedas pintadas de las iglesias de Saint-Chef et Saint-Théudére-en-Dauphiné y San Pietro al Monte in Civate, en Lombardía.
Palabras Clave: Saint-Pierre de Moissac, Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela, discursos visionarios, estética medieval, subversión del simbolismo arquitectónico.
Fantasía, placer y existencia en la estética árabe clásica
Fantasy, Pleasure and Existence in Classical Arabic Aesthetics
José Miguel Puerta Vílchez
Universidad de Granada
Resumen
Me propongo analizar en este artículo las funciones centrales y generalmente positivas que se concede a los placeres sensoriales en los discursos estéticos del islam árabe clásico al caracterizar al ser humano (insān) y la existencia (wuŷūd), partiendo de la poesía preislámica y del Corán, y la conversión del vocabulario y las imágenes relacionadas con las aguas, el vergel y la figura femenina en retóricas representativas de los ideales del poder por parte de la literatura cortesana y de arqui-texturas como las de la Alhambra. Al mismo tiempo, exploro el papel lúdico y pedagógico que la falsafa concedió a la fantasía y a las artes miméticas, anteponiendo o no la fruición estética a la finalidad moral del individuo como ser social y racional, y concluyo con algunas consideraciones sobre la dimensión ontológica que el sufismo otorgó a la poesía y las artes dentro de su gnosis gobernada por una Imaginación capaz de unir los contrarios y superar las dicotomías de la lógica.
Palabras Clave: Estética árabe clásica, tajyīl (fantasía), jayāl (imaginación), laḏḏa (placer), falsafa-estética, sufismo-estética
Abstract
In the present article I set out to analyse the central and generally positive functions that are offered to the sensory pleasures in the aesthetic discourses of classical Arab Islam when they characterise human beings (insān) and existence (wuŷūd), basing themselves on pre-Islamic poetry and the Koran, on the conversion of vocabulary and images related to water, gardens and the feminine figure in rhetoric representative of the ideals of power in court literature and on “archi-texts” such as the Alhambra. At the same time, I explore the ludic and pedagogical role that falsafa gave to fantasy and the mimetic arts, giving preference, or not, to aesthetic fruition in the moral purpose of the individual as a social and rational being, and I conclude with some thoughts on the ontological dimension that Sufism instilled in poetry and the arts and within its gnosis governed by an Imagination able to unite contrasting elements and overcome the dichotomies of logic.
Keywords: Classical Arab aesthetics clásica, tajyīl (fantasy), jayāl (imagination), laḏḏa (pleasure), falsafa-aesthetics, sufismo- aesthetics.
Size and Surveillance in Conquest Spain: The View from the Tower
Tamaño y vigilancia en la Conquista española: La vista desde la torre
Tom Nickson
Courtauld Institute of Art
Abstract
At their conquests in 1236 and 1248, Córdoba and Seville were among the most architecturally sophisticated cities in Europe, with monuments of near unparalleled size and height. I first explore the contemporary chronicles and verses that responded to these heroic cityscapes, understood within a long tradition of urban panegyric and polemics about religious sound. Numerous sources also record that the great minarets in these cities were climbed by their new Christian conquerors, and in the second part of this article I consider intersections of surveying and surveillance in relation to towers, and aesthetic responses to urban and rural views. I conclude with a survey of the tradition of climbing towers in medieval Europe, and consider its possible repercussions for surveying and the creation of urban panoramas in the later Middle Ages and the modern era.
Keywords: Towers, Panegyric, Views, Surveillance, Panorama.
Resumen
Tras su conquista en 1236 y 1248 respectivamente, Córdoba y Sevilla estaban entre las ciudades más sofisticadas de Europa desde la perspectiva arquitectónica, con monumentos de tamaño y altura casi inigualables. En este artículo, examino en primer lugar las crónicas y versos contemporáneos que evocaron a estos heroicos paisajes urbanos, entendidos dentro de una larga tradición de panegírica urbana y de polémica en torno al sonido religioso. Numerosas fuentes documentales también registran que los nuevos conquistadores cristianos ascendieron hasta la cúspide de los grandes minaretes de estas ciudades. En la segunda parte de este artículo considero las intersecciones de la topografía y la vigilancia en relación con las torres, y las respuestas estéticas a las vistas urbanas y rurales. Concluyo con un estudio de la tradición de ascender a las torres en la Europa medieval, y considero sus posibles repercusiones sobre la topografía y la creación de panoramas urbanos en la Edades Media y Moderna.
Palabras clave: torres, panegírico, vistas, vigilancia, panorama.
Periculum and peritia in the late medieval “ars market”
Periculum y peritia en el “mercado artístico” tardomedieval
Aden Kumler
University of Chicago
Abstract
This essay examines several textual accounts of the late medieval “ars market,” the commercial context of selling and buying artfully made objects in fourteenth- and fifteenth-century Europe. Ranging from a magisterial work of pastoral theology, to legal ordonnances and reglemens for crafts, to a scholastic econmium to Paris, the textual sources discussed reveal how the expertise of artists and artisans and the captivating, persuasive force of works of ars were both valued and scrutinized in the later Middle Ages. Although they were written for dissimilar purposes and different audiences, the texts examined nonetheless understand the late medieval ars market as a forum in which the mingling of artistic expertise, aesthetic allure, fraud, risk, and credulity posed considerable challenges to human judgment.
Keywords: Art market, Antoninus of Florence, Étienne Boileau, Livre des métiers, Jean de Jandun, De Laudibus parisius, Crafts, Fraud, Deception, Risk, Commerce, Shopping.
Resumen
Este ensayo examina varios relatos textuales del “mercado del arte” de la Baja Edad Media, en particular, el contexto comercial de la venta y compra de objetos fabricados artísticamente en la Europa de los siglos XIV y XV. Desde un trabajo magistral de teología pastoral, pasando por ordenanzas y reglamentos legales para los artesanos, hasta un econmium escolar en París, las fuentes textuales discutidas revelan cómo la pericia de los artistas y artesanos y la fuerza cautivadora y persuasiva de las obras de ars fueron valoradas y escudriñadas en el periodo tardomedieval. Aunque fueron escritos para diferentes propósitos y dispares audiencias, los textos examinados entienden el mercado de ars de la Baja Edad Media como un foro en el que la mezcla de experiencia artística, atractivo estético, fraude, riesgo y credulidad planteaba considerables desafíos al juicio humano.
Palabras clave: Mercado del arte, Antonino de Florencia, Étienne Boileau, Livre des métiers, Jean de Jandun, De Laudibus parisius, artesanía, fraude, engaño, riesgo, comercio, compras.
Aesthetic Attitudes in Gothic Art: thoughts on Girona Cathedral
Actitudes estéticas en el arte gótico: pensamientos sobre la catedral de Gerona
Paul Binski
Cambridge University
Abstract
The aim of this paper is to explore aspects of medieval aesthetic experience and criticism of architecture by means of the documented Catalan and Latin expertise held at Girona Cathedral in 1416-17. Medieval documentation of this type is relatively rare. Having outlined the cases made by the architects summoned to give their opinions on the development of the cathedral, the discussion considers three particular junctures. The first is that of illumination and affect, particularly jucunditas and laetitia; the second is that of nobility and magnificence; and the third is the juncture of the palace and church. I suggest that there is significant common ground between secular and religious buildings in regard to aesthetic experience and verbal articulation. Arguing against comprehensive aesthetic and theological orders of thought and experience, and in favour of the occasional character of medieval experience (that is, the sense in which experience should be understood within a particular set of circumstances,appropriately), I conclude that much of the known language of this sort sits ill with Romantic and post-Romantic concepts of the Sublime.
Keywords: Girona cathedral, Gothic, expertise, affects, nobility, magnificence, Sublime
Resumen
El objetivo de este trabajo es explorar aspectos de la experiencia estética medieval y la crítica de la arquitectura a través de las visuras redactadas en catalán y en latín, que tuvieron lugar en la Catedral de Girona en 1416-1417. La documentación medieval de este tipo es relativamente rara. Una vez esbozados los casos presentados por los arquitectos convocados para opinar sobre el desarrollo de la catedral, la discusión se centró en tres coyunturas particulares: la primera fue la de la iluminación y la emoción, particularmente la jucunditas y la laetitia; la segunda fue la de la nobleza y la magnificencia; y la tercera fue la confluencia del palacio y la iglesia. Sugiero que existe una base común significativa entre los edificios seculares y religiosos con respecto a la experiencia estética y la expresión verbal. Argumentando en contra de los órdenes de pensamiento estéticos y teológicos y de la experiencia, y a favor del carácter ocasional de la experiencia medieval, concluyo que gran parte del lenguaje conocido de este tipo reposa sobre los conceptos románticos y post-románticos de lo sublime.
Palabras clave: catedral de Gerona, gótico, pericia, influencia, nobleza, magnificencia, sublime
Belleza y memoria en la corte napolitana de Alfonso V de Aragón (1442-1458)
Beaty and Memory in the Neapolitan Court of Alfonso V de Aragón (1442-1458)
Joan Molina Figueras
Universidad de Girona
Resumen
Lejos de cualquier preferencia por un modelo estético concreto, las características determinantes de la idea de la belleza en la corte de Alfonso el Magnánimo fueron, por un lado, el lujo y la suntuosidad. Estos dos principios subyacen en buena parte de los encargos que hizo el monarca a sus agentes y embajadores. Otros criterios igualmente destacables fueron la rareza y excepcionalidad. Alfonso y sus cortesanos mostraron siempre una gran fascinación hacia obras que contenían detalles curiosos y sorprendentes, muchos de ellos fruto de la especial habilidad de sus creadores para desplegar una serie de artificios visuales. Este es el caso de los efectos especulares de las pinturas de Jan van Eyck o de la capacidad de Dello Delli para diseñar composiciones a partir de la perspectiva geométrica. Un interés por lo raro y lo excepcional que también alimentó el interés del monarca por curiosidades naturales o antigüedades, en algunos casos, como el caso de la Grotta de Virgilio, donde se aunaban memoria y leyenda mágica. La búsqueda de la magnificencia y el esplendor añadieron una dimensión más al concepto de belleza en la corte alfonsí. Aquí las expresiones más paradigmáticas las hallamos en los múltiples espectáculos organizados por el monarca. En especial, en los banquetes, ocasión para una sofisticada y suntuosa exposición de todo tipo de objetos suntuosos, desde los tapices y las piezas de orfebrería profana, de las escenografías hasta las ricas indumentarias de los participantes. Un clima de fastuosidad que se acentuó aún más con la introducción de una serie de efectos y recursos (música, comida, decoraciones florales...) que les otorgaron una fuerte y evidente dimensión sinestésica. El resultado fueron unas manifestaciones efímeras que, gracias a los relatos de cronistas e historiadores, pervivieron en la memoria de la historia culta de Nápoles y contribuyeron a hacer del periodo aragonés una época dorada de la ciudad.
Palabras clave: Alfonso el Magnánimo, estética medieval, arte de corte, Nápoles aragonesa, bodas, banquetes, torneos reales, renacimiento, Quattrocento.
Abstract
Rather than a preference for any specific aesthetic model, the defining characteristics of the concept of beauty in the court of Alfonso the Magnanimous were luxury and sumptuousness. To a large extent. these two principles underlie the works that the monarch commissioned from his agents and ambassadors. Other criteria equally notable were strangeness and exceptionality. Alfonso and his courtesans always demonstrated a great fascination towards works that contained curious and surprising details, many of them being the fruit of the special skills that their creators deployed in a series of visual devices. This is the case with the spectacular effects in the paintings by Jan van Eyck or in the ability of Dello Delli to design compositions based on geometric perspective, an interest in the strange and the exceptional that also fed the monarch’s interest in natural curiosities and antiquities in certain cases such as the Grotta by Virgilio, which brought together memory and magic legend. The search for magnificence and splendour added another dimension to the concept of beauty in Alfonso’s court. Here the most paradigmatic expressions are to be found in the multiple spectacles organised by the king, in particular, the banquets, which were occasions for a sophisticated and sumptuous display of all types lavish objects, from tapestries and profane pieces of silver and gold work to the rich clothing of the participants. It was a climate of opulence that was accented still further with the introduction of a series of effects and resources (music, food, floral decorations, etc.) that gave them a strong and clear synaesthetic dimension. This resulted in ephemeral manifestations that, thanks to the accounts of chroniclers and historians, survived in the memory of the history of worship in Naples and helped to make Aragonese rule a golden period for the city.
Keywords: Alfonso the Magnanimous, Medieval Aesthetics, Court Art, Aragonese Naples, Royal weddings, banquets and tournaments, Renaissance, Quattrocento.dad.
The Awakening of Endymion: Beauty, Time, and Eternity in Romanesque Sculpture, and its Photographic Afterlife
El despertar de Endimión: belleza, tiempo y eternidad en la escultura románica y su devenir fotográfico
Francisco Prado-Vilar
Real Colegio Complutense, Harvard
Abstract
Focusing on a series of extraordinary photographs of the sarcophagus lid of Alfonso Ansúrez (d.1093), I delve in this essay into its formal, iconographic and performative aspects as I follow its geographical and temporal iterations in the first decades of the twentieth century. It traveled from the municipal cemetery of Sahagún, where it had been reused as the tombstone of a local townsman, sailing across the Atlantic to the Fogg Art Museum at Harvard, and then returning to Spain to become a stellar exhibit in the recently renovated National Archaeological Museum in Madrid. Each of these photographs records a unique intersubjective encounter between the figures carved on the lid, especially Alfonso’s marble embodiment, represented in the moment of his glorious resurrection following classical models of the myth of Endymion, and the persons on the other side of the lens. Notable among them were the art historian Ricardo de Orueta, who was Director General of Fine Arts in the government of the Spanish Republic, and the eminent Harvard medievalist Arthur Kingsley Porter. Made available to many eyes/I’s through their photographs, the sepulchral slab acquired a new aesthetic life and a pathway into the mainstream historiography of the Romanesque. An analysis of the photographs serves to reveal essential aspects of the work presenting it as an important case study to investigate the dialectics of death and resurrection, both in the context of Christian dogma and within the art historical discussions around the question of the Nachleben der Antike, inspiring a theoretical inquiry into the significance of artworks as they exist and acquire meaning through the confluence of the time of nature, the time of life, the time of history, and the time of eschatology.
Keywords: Romanesque, Sculpture, Photography, Alfonso Ansúrez, Ricardo de Orueta, ingsley Porter, Nachleben der Antike, Harvard, Mythology, Endymion, Heritage.
Resumen
A través del análisis de una serie de fotografías excepcionales de la lauda de Alfonso Ansúrez (†1093) profundizo en aspectos formales, iconográficos y performativos de su diseño que hasta ahora habían pasado desapercibidos, a la vez que exploro las circunstancias de sus desplazamientos geográficos en las primeras décadas del siglo xx, cuando viajó desde el cementerio municipal de Sahagún, hasta el Fogg Museum de Harvard, para luego regresar a España y ser presentada con honores en el Museo Arqueológico Nacional. Cada una de estas fotografías registra un encuentro intersubjetivo único entre las figuras esculpidas en mármol, especialmente el retrato de Alfonso Ansúrez, representado en el momento de su resurrección en perspectiva escatológica siguiendo modelos clásicos del mito de Endimión, y las personas al otro lado de la cámara. Entre ellos destacan el historiador del arte Ricardo de Orueta, Director General de Bellas Artes durante el gobierno de la II República, y el medievalista de Harvard Arthur Kingsley Porter cuyas trayectorias vitales se entrecruzan en torno a esta lauda, y, en términos generales, en un proyecto común de dotar al arte medieval español de un lugar destacado en la historiografía internacional, proyecto en el que la fotografía jugó un papel fundamental. El análisis estético, teórico y técnico de estas fotografías sirve para revelar aspectos esenciales de la lauda, presentándola como un caso excepcional para investigar el papel de la belleza en la dialéctica de la muerte y la resurrección, tanto en el contexto del dogma cristiano, como en las discusiones teóricas en torno a la cuestión de Nachleben der Antike.
Palabras clave: Románico, Escultura, Fotografía, Alfonso Ansúrez, Ricardo de Orueta, Kingsley Porter, Nachleben der Antike, Harvard, Mitología, Endimión, Patrimonio.
Mesa Redonda
Round Table
Facing Beauty in the Middle Ages: The Persuaded and the Sceptics
Jewish-Christian Conversion in the Gothic Stained Glass of Béziers Cathedral
Conversión Judeo-Cristiana en las vidrieras góticas de la Catedral de Béziers
Meredith Parsons Lillich
Syracuse University
Abstract
A unique and previously unidentified image in the Gothic stained-glass fragments of the Genesis window in Béziers cathedral (Languedoc) is here proposed to commemorate the Jewish-to-Christian conversion of a youthful member of the ruling Nasi (Roi juif) family of the Jewish community of the nearby city of Narbonne. Represented as beardless, crowned, and holding a dove and a black angel, the youth may have been converted by the Dominican friar Paul Chrétien (himself a convert) during his Languedocian tour in the early 1260s, preceding his famous 1263 Barcelona debate. The fragment was part of a Genesis cycle and the dove and black angel, it is argued, represent the Languedocian youth’s struggle to understand/accept the concept of the Trinity at Creation.
Keywords: Béziers cathedral, Gothic stained glass; Nasi (roi juif) of Narbonne; Friar Paul Chrétien; Matfre Ermengaud’s Breviari d’amor; Maimonidean Controversy
Resumen
Una imagen única y no identificada anteriormente en los fragmentos de vidrieras góticas del ventanal del Génesis en la catedral de Béziers (Languedoc) se interpreta en este artículo como una conmemoración de la conversión judeo-cristiana de un miembro joven de la ponderosa familia Nasi (Roi juif) de la comunidad judía de la cercana ciudad de Narbona. Representado sin barba, coronado y con una paloma y un ángel negro en la mano, el joven puede haber sido convertido por el fraile dominico Paul Chrétien (converso él a su vez) durante su gira por el Languedoc a principios de la dcada de 1260, antes de su famoso debate de Barcelona de 1263. El fragmento era parte de un ciclo del Génesis y la paloma y el ángel negro, se argumenta en estas páginas, representan la lucha de la juventud de Languedoc para entender/aceptar en la Creación el concepto de la Trinidad.
Palabras clave: Catedral de Béziers, vitrales góticos; Nasi (roi juif) de Narbona; Fray Paul Chrétien; Breviari d’amor de Matfre Ermengaud; Maimonidean Controversia
The Stone of Sansepolcro: Relic, Image, and the Resurrection of Jerusalem in Tuscany
La piedra de Sansepolcro: reliquia, imagen y la Resurrección de Jerusalén en Toscana
Renana Bartal
Tel Aviv University
Abstract
The Church of the Holy Sepulcher in Jerusalem had a lasting effect on the spirituality of the medieval West, not least through the unique meanings and associations carried by its relics. This paper focuses on a stone relic thought to have been brought from Christ’s tomb by two pilgrims returning to the Tuscan town of Sansepolcro. I examine it in the context of other stones eleventh-century pilgrims allegedly brought from the Holy Sepulcher to Europe and find that it sparked a distinctive belief. While other Italian towns, such as Pisa and Bologna, built architectural copies of the Holy Sepulcher and attempted to recreate the topography of the holy city, the inhabitants of Sansepolcro held that the stone relic miraculously made the Holy Sepulcher immanent in their town and expressed this affinity in images, including Piero della Francesca’s “The Resurrection”.
Keywords: Borgo Sansepolcro, Stone relics, Jerusalem, pilgrims, Holy Sepulcher.
Resumen
La iglesia del Santo Sepulcro en Jerusalén tuvo un efecto duradero en la espiritualidad del Occidente medieval, especialmente a través de los singulares significados únicos y las asociaciones espaciales y geográfica que sugieren sus reliquias. Este artículo se centra en una piedra relicario que se creía que procedía de la Tumba de Cristo, portada por dos peregrinos que regresaron a la ciudad toscana de Sansepolcro. Examino esta pieza en el contexto de otras piedras pretendidamente portadas por peregrinos desde el Santo Sepulcro a Europa, hasta el punto de reconocer que provocó unas creencias específicas. Mientras otras ciudades italianas, como Pisa y Bolonia, construyeron copias arquitectónicas del Santo Sepulcro e intentaron recrear la topografía de la Ciudad Santa, los habitantes de Sansepolcro sostuvieron que la reliquia de piedra hizo milagrosamente el Santo Sepulcro inmanente en su ciudad y expresó esta afinidad a través de imágenes, incluida “La resurrección” de Piero della Francesca.
Palabras clave: Borgo Sansepolcro, reliquias de piedra, Jerusalén, peregrinos, Santo Sepulcro.
Paula Fuentes y Anke Wunderwald (eds.), The Art of Vaulting. Design and Construction in the Mediterranean Gothic, Basel: Birkhäuser Verlag GmbH, 2019, 234 pp.
ISBN: 978-3-0356-1824-2.
Reseña de Xènia Granero Villa
-
Arnaud Timbert (ed.), Qu’est-ce que l’architecture gothique? Essais, París, Presses Universitaires du Septentrion, 2018, 242 p., isbn: 978-2-7574-2365-3; 23€.
Reseña de Pablo Abella Villar
-
Olga Pérez Monzón, Matilde Miquel Juan, María Martín Gil (eds.), Retórica artística en el tardogótico castellano. La capilla fúnebre de Álvaro de Luna en contexto, Madrid: Sílex, 2018, 612 pp. ISBN: 978-84-7737-678-1.
Reseña de Joan Valero
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